Histoire de la musique classique

Plus que de musique classique, il conviendrait de parler de musique savante européenne, puisque la période dite classique n'est qu'une partie d'un ensemble beaucoup plus vaste que l'on peut dater de la fin du XVIe siècle environ à nos jours et qui naquit sur le vieux continent.

Tout commence donc par la musique baroque qu'un consensus situe à partir de 1580 jusqu'à la mort de Bach en 1750.

Elle s'étend sur trois périodes principales : le premier baroque, le baroque médian et le dernier baroque.

La musique de ces périodes est généralement perçue comme assez stricte, difficile, parfois même aride ; or une multitude de nouveautés sont apparues à cette époque, révélant un goût certain pour les changements, les contrastes et une certaine forme d'improvisation.

Ont ainsi vu le jour l'air, le récitatif, la basse continue - continuo - le tempo rubato. C'est également à ce moment de l'histoire que l'opéra apparaît à Florence - Orfeo de Monteverdi - avant de s'étendre dans toute l'Europe.

La musique sacrée quitte ses carcans : les compositions deviennent parfois monumentales, le nombre de voix augmentant considérablement. Parmi tous les compositeurs de l'époque baroque, on retiendra les noms de Palestrina, Frescobaldi, Haendel ainsi que les maîtres du concerto : Vivaldi, Corelli, Torelli...

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La musique classique fait naturellement suite au baroque et commence véritablement au milieu du XVIIIe siècle.

Il est important de noter que la frontière entre baroque et classique n'est bien sûr pas aussi nette et que certains des compositeurs cités précédemment comme Bach ou Vivaldi sont à cheval sur les deux époques.

La période classique est une sorte de synthèse de l'époque baroque, les formes se faisant plus définies, mais également plus figées.

On trouve ainsi principalement la sonate - pour un ou deux instruments - la musique de chambre - trio, quatuor et orchestre d'une quinzaine de musiciens maximum - la symphonie, avec l'orchestre à peu près tel qu'on le connaît aujourd'hui et le concerto enfin, qui voit dialoguer un instrument soliste et un orchestre.

Le nombre de mouvements par œuvre était alors fixe - quatre pour toutes les formes évoquées, sauf le concerto en trois mouvements - ce qui n'empêcha pas une folle imagination...

La composition verticale extrêmement ciselée en cours à la fin du dernier baroque est abandonnée pendant la période classique mais un goût prononcé pour les performances et les thèmes virtuoses se répand. Il suffit d'écouter l'air de la Reine de la nuit, tiré de l'opéra La Flûte Enchantée de Mozart, (1756 - 1791), pour s'en convaincre.

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Évoquer cette période sans parler de Joseph Haydn (1732 - 1809) serait impossible. Il est en effet très représentatif de la synthèse effectuée par la musique classique. Les formes musicales qu'il exploite existent déjà toutes depuis au moins un siècle, mais il y apporte une certaine originalité dans la façon dont il intègre des éléments baroques à ses compositions. On observe de plus, sur le plan de la composition, peu de différences entre profane et sacré dans son travail. Il est, avec Mozart, l'un des moteurs du classicisme autrichien et par là même du classicisme européen. Le troisième pilier de la musique classique n'est autre que Beethoven (1750 - 1827), compositeur encore plus remarquable que Mozart et Haydn, car il est à la charnière du classicisme et du romantisme...

Au début du XIXe siècle, deux compositeurs de talents accompagnent le renouveau musical en Europe. Beethoven et Franz Schubert annoncent le romantisme naissant du milieu du XIXè siècle.

Le génie et le mythe du musicien sourd ont fait de Beethoven une sorte de légende. Il est intéressant de constater que sa musique a toujours été, de l'instant où elle fut écrite à nos jours, connue et reconnue. À aucun moment de l'histoire et c'est la première fois que cela arrive pour un compositeur, sa musique ne sera oubliée.

Malheureusement, la place qu'il a prise dans les esprits empêche un de ses géniaux contemporains, Franz Schubert (1797 - 1828), d'émerger véritablement. Ils constituent à eux deux la transition qui accompagnera la musique européenne du classique vers le romantisme.

Bien que parfaitement contemporains et même si leurs musiques possèdent des similitudes, ils auront chacun des styles très personnels et éminemment reconnaissables car totalement hors de tous courants.

La musique de Beethoven a beaucoup évolué au cours de sa carrière : l'exemple le plus flagrant se trouve probablement dans ses symphonies : les trois premières sont encore dans un style très classique, proche de ce que faisait Mozart, tandis qu'à partir de la quatrième, son style propre émerge, mélange d'une harmonie sans concession - tonique et dominante sont à l'honneur ainsi que les cadences parfaites - et d'une forme de légèreté inouïe qu'il obtient par une parfaite maîtrise du jeu et de la sonorité des instruments

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La musique romantique

Le romantisme musical met l'Homme et ses états d'âme au centre de ses préoccupations et fait l'apologie du grandiose.

Totalement indissociable du mouvement littéraire qui lui est conjoint, le romantisme en musique, comme en littérature se concentre plus sur l'Homme.

Le compositeur devient un être de chair et de sang qui souffre, qui aime et dont les sentiments servent d'inspiration nouvelle pour l'écriture musicale : il a soif de liberté et d'indépendance, ce qui explique que l'on rencontre à la période romantique une explosion des formes, des styles et des méthodes de composition. Le romantisme commence véritablement en musique à partir de 1830, même si, là encore, la limite est soumise à débats.

Le début du XIXe siècle voit par ailleurs la naissance de ceux qui sont parfois appelés le groupe des trois, puisqu'ils sont tous nés à un an d'intervalle entre 1809 et 1811 : respectivement Mendelssohn, Chopin et Liszt.

Ils ont tous les trois énormément composé en virtuose pour le piano, l'instrument romantique par excellence, exaltant la solitude de l'Homme face à la vie et à la nature.

On trouve également à la même époque Robert Schumann (1810 - 1856) qui compose beaucoup de lieder, dans la droite lignée de Schubert, mais qui les rend plus complexes, moins populaires et accroît considérablement le rôle du piano, complémentaire de la voix en le laissant souvent jouer seul.

Mais si l'emploi du piano se fait très fréquent, l'orchestre n'est pas délaissé pour autant. Ainsi Berlioz, romantique français, ne compose que pour orchestre, le nombre de musiciens accroissant chaque fois un peu plus - cette augmentation est une constante au cours du temps. Il écrira d'ailleurs un traité d'instrumentation faisant autorité jusqu'au XXe siècle.

La musique romantique se caractérise donc par une sorte d'exubérance : si les règles de l'harmonie et de la composition sont toujours respectées, elles n'en sont pas moins explorées au maximum.

Voir ainsi Wagner qui transforme l'opéra en poème symphonique, avec une orchestration grandiose, des livrets très riches et l'utilisation systématique des leitmotivs : répétition d'un thème associé à un personnage ou à un événement de l'histoire racontée.
Wagner sera très controversé par ses contemporains mais aussi plus tard ; il n'en demeure pas moins un des personnages marquants du XIXe siècle, tant sa musique et son traitement dramatique dans ses poèmes symphoniques auront influencé un nombre incalculable de compositeurs.

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Une musique sans contraintes
Le XXe siècle

La musique classique, libérée de toutes contraintes, semble sombrer à l'aube du XXe siècle dans une confusion des genres.

A la fin du XIXe siècle un certain flou règne, tant les uns influencent les autres, tant la diversité des formes, des œuvres, des idées est grande, tant la musique s'est libérée de toutes contraintes. On ne compte plus les réactions de tel compositeur à tel mouvement précédent et du coup la contre-réaction de tel autre compositeur au premier.

Bref, tout a cours en même temps : du néo-classicisme au néo-romantisme, en passant par la redécouverte des œuvres de Monteverdi - qui remontent à l'époque baroque. C'est dans cette effervescence que la musique savante aborde le XXe siècle...

La grande avancée vient de Schoenberg (1874 - 1951) ; d'abord élève de Mahler, il sera à l'origine du sérialisme. Cette méthode de composition repose sur l'utilisation d'une série de plusieurs tons ou notes, qui se trouve répétée, avec variations, tout au long de l'œuvre. Pierrot lunaire, œuvre où le chant est mis en avant, est un bon exemple du sérialisme. Ce dernier sera théorisé vers 1920 pour donner le dodécaphonisme, qui organise de manière systématique les douze tons de la gamme en séries.

Parallèlement, en France, Debussy, Fauré, Ravel, Satie sont les nouveaux porte-parole de la musique savante. Les styles et les genres se mélangent, Debussy par exemple - comme Fauré - est à la recherche de fines mélodies, où l'élégance n'a d'égal que la délicatesse ; il abandonne le piano virtuose pour se concentrer sur le jeu et le toucher : l'expressivité est mise en avant... A l'opposé, Ravel conserve une certaine technicité et une grande virtuosité dans le jeu au piano, voir ainsi ses Jeux d'eau.

En 1919, le groupe des six formé autour de Cocteau se réclame de Satie ; il réunit : Honegger, Milhaud, Poulenc, Auric, Durey et Germaine Tailleferre. Leur manifeste revendique une opposition au « flou debussyste ».

La musique savante quitte également les salons ou les salles de concert pour participer à l'essor d'un nouveau medium : le cinéma. Prokofiev, composera la musique d'Alexandre Newsky - de S.M. Eisenstein - à l'instar de Honegger - Napoléon, Mermoz - ou encore de Kosma, - Les Portes de la Nuit. C'est d'ailleurs, de nos jours, dans la musique de film que l'on trouve le plus de compositions s'apparentant à de la musique dite « classique »

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Au XXe siècle, la musique classique se trouve confrontée aux avancées technologiques

Plus on avance dans le temps, plus l'absence d'unité au sein d'un même mouvement se fait ressentir. Les réactions à une « idéologie » musicale sont beaucoup plus rapides que par le passé et également beaucoup plus diverses. Plusieurs choses doivent cependant être notées... Le XXe siècle est le siècle de l'électronique ; même s'il est vrai que des recherches se font depuis le milieu du XIXe, et que ces recherches ont donné naissance à de nombreux instruments, le véritable essor de l'électronique se fera à la fin des années 40, grâce à la radio.

Ainsi Pierre Schaeffer, vers 1948, est-il un des inventeurs de la musique concrète, musique à base de sons non-musicaux a priori, enregistrés, mais dont l'agencement produit une composition musicale : Etude aux chemins de fer par exemple.

À la même époque, dans les studios de la radio de Cologne, en Allemagne, on expérimente les sons créés électroniquement à l'aide de synthétiseurs. Cette nouvelle ère voit le rapprochement de l'art et de la science. Presque tous les compositeurs de musique électro-acoustique sont des scientifiques ou des techniciens.

On notera l'apparition de divers groupes, à commencer par le GRM - Groupe de Recherches Musicales - fondé par Pierre Schaeffer en 1958, puis le GMEB - Groupe de Musiques Expérimentales de Bourges - créé en 1970 par François Barrière et enfin, probablement le plus connu en France, l'IRCAM - Institut de Recherche et de Coordination Acoustique-Musique - créé en 1977 par Pierre Boulez. D'autres ont vu le jour, comme le Centre d'études de mathématique et automatique musicales - Cemamu - dirigé par Iannis Xenakis, compositeur travaillant sur le lien entre musique et modèles mathématiques.

Une fois n'est pas coutume, la musique savante n'est pas l'apanage du vieux continent, puisque de nombreux compositeurs font leur apparition Outre-Atlantique. John Cage - né en 1912 et actif dès les années 30 - ré-inventeur du piano préparé ; un peu plus tard, les représentants de la musique dite minimaliste ou répétitive, Terry Riley, La Monte Young, Steve Reich ou encore Philip Glass. Chacun a une conception différente de la musique minimaliste. Quand Steve Reich travaille sur le décalage très lent de deux bandes magnétiques, La Monte Young apprend la musique indienne et y puise son inspiration, tandis que Philip Glass explore la répétition de petits motifs mélodiques, sans utiliser un seul appareil électronique.

En même temps et en réaction à la musique minimaliste, le spectralisme voit le jour. Il s'agit de l'utilisation et de l'exploration des caractéristiques physiques du son - timbre, spectre, niveau, etc - et c'est à l'heure actuelle, le dernier mouvement que connaît la musique savante.

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